A-t-elle toujours des yeux de velours ? A-t-elle toujours beaucoup d’amoureux ? Cette opérette qui a fait les beaux jours de la Libération et su apporter exotisme et dépaysement à la France en reconstruction peut encore nous toucher aujourd’hui. C’est le défi que relèvent Jérôme Pillement et Olivier Desbordes pour cette nouvelle production. Leur talent et la troupe de chanteurs-comédiens qu’ils ont réunie augurent d’une lecture décoiffante de cette invraisemblable histoire qui mêle Espagne, quiproquo, jalousie, cinéma et happy end ! Une étape indispensable au soleil andalou...

Samedi 29 novembre de 10h à 18h - Auditorium / entrée libre
Menez les musiciens de l’Orchestre Symphonique des Jeunes de Bourgogne à la baguette et prenez-vous pour Karajan, mèche de cheveux comprise. Donnez votre interprétation des grands opéras du répertoire avec les musiciens professionnels de l’Orchestre de l’Opéra : une expérience unique que vous n’êtes pas prêts d’oublier.

Samedi 29 novembre de 14h à 18h - Grand Théâtre / entrée libre
Avant de vous lancer dans la carrière de chef d’orchestre et de partir à l’assaut des plus grandes salles du monde, passez du classique au contemporain avec l’Ensemble Ictus pour une journée d’ateliers, de performances et de concerts.

Dimanche 30 novembre de 14h à 18h - Auditorium / entrée libre
Concerts, projections vidéo, démonstrations machinerie sur scène dans les décors de l’Opéra Aïda ...

Vendredi 28 et samedi 29 novembre à 20h - Grand Théâtre
Concert de l’Ensemble Ictus : deux soirées exceptionnelles autour des musiques rock, blues et d’inspiration cabaret de Tom Waits et Kurt Weill.
offre exceptionnelle : tarif unique 7 euros

Aïda, c’est l’un des opéras les plus connus et ses célèbres trompettes ont fait le tour du monde. Mais c’est avant tout un rêve éveillé où opère l’invraisemblable magie de l’Opéra. Une esclave, partagée entre la fidélité à son peuple opprimé et sa passion pour son maître, poussée à la trahison par son père. Un jeune capitaine victorieux promis à tous les honneurs qui délaisse la fille du pharaon pour mourir avec son esclave. Histoire d’amour éternelle où l’amante fidèle choisit de finir au tombeau où la pierre se referme sur deux amants perdus chantant leur amour. Une énorme accumulation d’extravagances qui tient par la force de la musique et de l’émotion et traverse les âges, comme ces villes d’Egypte où les buildings se construisent sur les restes de palais trois fois millénaires.

Suite du voyage en terres baroques, à la rencontre d’un génie de l’histoire de la musique. Purcell est le Mozart du XVIIe siècle : même destin tragique (il meurt à 36 ans), mêmes dons exceptionnels pour l’opéra, même musique à la fois évidente et savante, pleine d’esprit et d’émotion. The Fairy Queen est une oeuvre hybride, suite de divertissements allégoriques, comiques ou dramatiques inspirés du Songe d’une nuit d’été de Shakespeare. Ces sources nourrissent les univers étranges et oniriques du metteur en scène Wouter Van Looy. Emmanuelle Haïm, ancienne assistante de William Christie et de Simon Rattle, est l’une des figures de proue les plus talentueuses de l’école baroque. Elle mènera avec son ensemble, le Concert d’Astrée (Victoire de la musique 2003), cette danse des fées qui continuera ensuite sa ronde en Belgique et aux Pays-Bas.

A la fin des années 80, Philip Glass et Allen Ginsberg, le poète phare de la Beat Generation, se retrouvent dans la même désillusion quant à la politique américaine. « Si ni Bush ni Dukakis ne parlent de ce qui est en train de se passer, alors c’est à nous de le faire. » Inspiré du poème fondateur Howl de Ginsberg, cet opéra dresse un portrait au vitriol de l’Amérique et de ses mouvements sociaux des années 50 aux années 80 : libération sexuelle, pacifisme, drogues, écologie... Six personnages conçus comme des archétypes de l’Américain moyen, une serveuse, un policier, un prêtre, un businessman, une pom pom girl et un mécanicien s’emparent de cette musique qui veut pénétrer le système nerveux comme une bombe à hydrogène. Sexe, drogues... et opéra.

En 1941, Kurt Weill et Ira Gershwin, le frère de George, surfent sur la mode de la psychanalyse et composent cette comédie musicale enlevée qui raconte les déboires thérapeutiques et amoureux d’une rédactrice en chef de magazine de mode.
En réservant les parties musicales aux trois rêves que la protagoniste fait pendant ses séances chez le psy (le rêve glamour, le rêve de mariage et le rêve de cirque), en faisant d’une chanson la clef de la guérison, ils transforment ce sujet austère en un vrai musical de Broadway. Le succès fut immédiat (500 représentations en 6 mois), et les airs, My Ship (devenu un standard du jazz) ou encore Tchaikovski and Other Russians (qui cite 50 compositeurs russes en 39 secondes !) sur toutes les lèvres. Hollywood en fit un film avec Ginger Rogers, mais il aura fallu attendre cette production de Jean Lacornerie pour la création en France…

C’est l’histoire d’une rencontre : celle d’Anna Caterina Antonacci, une des plus grandes sopranes italiennes, avec Juliette Deschamps, metteur en scène, pour une première aventure en mai 2007 au Théâtre des Champs-Elysées, Era la notte (autour de Monteverdi). Et le désir de la poursuivre par une autre forme inventée, loin du récital, différente du concert, plus proche de l’opéra : donner en spectacle les airs et musiques aimés.
Phèdre, Armide, Didon : dans Altre Stelle sont convoquées les premières héroïnes romantiques, au coeur du répertoire d’Anna Caterina Antonacci. Fascinantes et fondamentales, nobles et tragiques, ces figures annonçaient Norma et inspirèrent Wagner. Des femmes, des mythes, par cette tragédienne incarnés.
Au lendemain de la Révolution vivent les premières heures du drame romantique français. On quitte ici le discours politique de l’opéra du dix-septième siècle et le discours social du dix-huitième, pour inventer celui, brutal, du sentiment. Dans la musique aussi, une révolution, qui marque la naissance historique d’une nouvelle figure : celle de la diva.

Trois actes, trois époques de la vie amoureuse d’un poète, trois facettes d’une même femme. Les Contes d’Hoffmann, c’est le rêve ultime d’Offenbach. Après avoir pastiché et tourné en ridicule les poncifs du genre, mais comme un amoureux se moque des travers de celle qu’il aime envers et contre tout, il ose son propre grand opéra. Toute création a un prix. Hoffmann ne devient poète qu’en renonçant à être l’amant de ces cantatrices, Olympia, Antonia, Giulietta, qui le fascinent. Ivre d’alcool comme de souvenirs, il laisse son dernier amour aux mains du rival sombre et mystérieux qui, de tout temps, semble avoir tiré les ficelles. Offenbach compose sa musique la plus belle et la plus personnelle et livre son chef-d’oeuvre. La mort ne lui laissera pas le temps de l’achever.

L’Opéra de Dijon souhaite faire découvrir l’opéra et le spectacle vivant au plus grand nombre. Fort du succès populaire (plus de 6 000 personnes) rencontré lors de la manifestation « Tous à l’Opéra ! », organisée pour la première fois à Dijon le 16 février 2008, l’Opéra de Dijon propose de développer ces rencontres privilégiées avec le public autour de trois « Journées familles » organisées pendant la saison.
Ces journées familles jouent un rôle capital dans la politique d’ouverture de l’Opéra de Dijon. Elles permettent au public de découvrir puis de s’initier aux métiers de décorateur, régisseur lumière, technicien plateau, maquilleur ou costumier, danseur, chorégraphe, de découvrir le travail du chef d’orchestre, des musiciens et des choristes, du metteur en scène et de l’équipe de production autour de répétitions ou encore de visiter les lieux du spectacle de façon inédite au travers de promenades dans l’envers du décor.

Passion, trahison, mort : tous les ingrédients du drame sont réunis… Leurs familles se vouent une haine ancestrale, mais Edgardo et Lucia s’aiment d’une flamme irrésistible qui les poussera au meurtre, à la folie et au suicide. La scène de la folie demande à son interprète une virtuosité exceptionnelle, et est certainement une des pages les plus intenses et les plus difficiles de l’histoire de l’opéra. A l’affiche de cette nouvelle production, Burcu Uyar qui chantera Lucia à Dijon juste après sa prise de rôle à Berlin, et Andrea Giovannini, l’Alfredo de la Traviata de 2005. Une des premières mises en scène d’opéra d’Olivier Desbordes fut une Lucia à Saint-Céré en 1986. Plus de vingt ans après, il remet l’oeuvre sur le métier. L’expérience, la vie tout simplement qui nous change, se seront chargées de bouleverser sa vision du chef-d’oeuvre de Donizetti.

Dernier opéra de la saison et dernière étape du parcours autour de l’héroïne romantique avec une figure incontournable. La princesse irlandaise et le chevalier de Cornouailles se donnent l’un à l’autre dans la plus intense des nuits d’amour, alors que se profilent les ombres suspectes du traître et du mari trompé. L’amour ne peut-il s’accomplir que dans la mort ? Wagner redonne vie au mythe par une musique bouleversante qui ne cesse plus de fasciner et de hanter ceux qui l’ont entendue, et donne la plus insoutenable évocation musicale du désir et de la mélancolie. Ce chef-d’oeuvre absolu de passion dévorante a changé pour toujours le cours de la musique et poussé l’opéra vers un point de non retour. La mise en scène d’Olivier Py a elle aussi fait date. Grand prix de la critique 2004-2005, elle allie prouesses techniques – l’immense navire qui avance pendant tout le premier acte – à une lecture moderne qui rend sensibles les moindres ressorts de l’action et plonge ses racines dans l’univers romantique qui est à l’origine de l’oeuvre. Une occasion unique de succomber au philtre d’amour.

Daniele Gatti choisit Dijon pour son premier concert en tant que directeur musical de l’ONF. Cet habitué de Covent Garden, de l’Opéra de Vienne et du Philharmonique de New York, au style incisif et élégant et à la puissance communicative, est un des chefs les plus brillants de sa génération. Au programme, des oeuvres phares du répertoire français. Le chefd'oeuvre de Debussy, La Mer, anticipe sur bien des points les audaces harmoniques et rythmiques de l’auteur du Sacre. Cette oeuvre a été commencée en 1902, bien loin de l’Océan… en Bourgogne ! Daniele Gatti saura révéler les couleurs de l’Orchestre national de France dans Le Sacre du Printemps de Stravinski, pilier de la musique du XXe siècle. C’est une façon grandiose d’ouvrir cette saison musicale 2008-2009, avant une expérience musicale inhabituelle, retrouver chef et orchestre séparément dans deux concerts exceptionnels qui devraient ouvrir grand nos oreilles : l’orchestre mythique du Concertgebouw d’Amsterdam et le Festival Présences.

Le répertoire baroque s’affirme toujours plus à l’Opéra de Dijon avec une entrée en matière des plus réjouissantes. Offrez-vous un voyage européen et traversez l’Allemagne, l’Angleterre et la France au rythme des concerts qui accompagnaient les soirées somptueuses des cours royales. Ces monarques ne savaient point vivre sans musique et surent s’entourer des plus grands musiciens de leur temps. L’esprit de fêtes et de magnificence est convoqué pour ce programme emmené par l’Harmonie Universelle et son «Grand Intendant » Florian Deuter qui officie également pour le Concerto Köln. Et l’on peut compter sur le talent du choeur Arsys pour montrer comment les liens se sont tissés entre ces compositeurs fondateurs de l’Europe musicale.

Après son concert du mois de septembre avec l’Orchestre national de France, Daniele Gatti est de retour à la tête d’un orchestre mythique. De Mengelberg à Mariss Jansons en passant par Haitink, les plus grands chefs ont su préserver le son moiré et les couleurs automnales si particulières qui font du Concertgebouw un orchestre unique. Gatti, un habitué de cette phalange parmi les plus grandes, la dirigera dans un programme idéal pour jouer de toute sa palette orchestrale : la Pastorale et ses teintes préimpressionnistes y contraste avec la violence fauve et les couleurs crues du Concerto pour orchestre de Bartók. Bartók qu’il faudra impérativement retrouver à la fin du mois pour une oeuvre de la même époque mais qui offre un aspect radicalement différent de sa singulière personnalité, la Sonate pour violon seul.

La musique de film, un genre mineur ? Et pourtant, combien ont découvert le son d’un orchestre à l’occasion d’une Guerre des Etoiles ou d’un Lawrence d’Arabie ? Au sein de contraintes énormes dictées par des impératifs visuels, les compositeurs ont souvent fait preuve d’une belle créativité. Les plus grands chefs-d’oeuvre du cinéma doivent beaucoup au talent de celui qui en signa la musique et sut seconder l’émotion de l’oeil par celle de l’oreille. En réalisant parfois de véritables condensés de l’histoire de la musique, ils ont fait passer des styles, des tournures et des formes dans l’inconscient collectif. A l’occasion des Rencontres de l’ARP (auteurs, réalisateurs et producteurs) pour la deuxième fois à Dijon, la Camerata de Bourgogne propose un concert hommage à ces contrebandiers de la «grande musique », avec une création de Greco Casadesus en hommage à E.J. Marey.

Ses fonctions de directeur musical de l’Orchestre de Chambre de Lausanne ne l’ont pas éloigné du piano. Christian Zacharias est un musicien à la personnalité singulière et ses interprétations allient toujours la sensibilité et la sobriété à la surprise dans un mélange qui ne ressemble à aucun autre. Le répertoire qu’il a choisi pour ce concert traverse les humeurs et les humours. La malice piquante des sonates de Haydn, l’humour exalté et inquiétant de Schumann, la poésie mystérieuse ou parodique de Debussy : un chemin se trace entre ces compositeurs pourtant si différents. Christian Zacharias nous invite à le suivre dans ses tours et ses détours où la fantaisie règne en maître.

La passation de pouvoir a eu lieu autour d’une Nuit Transfigurée en sextuor à cordes : le Quatuor Artemis est le successeur en titre du Quatuor Alban Berg dont ils furent les élèves. Ils ont hérité de leurs maîtres les qualités qui en firent les meilleurs : perfection instrumentale, architecture rigoureuse et expressivité toujours juste, y ajoutant la fougue de leur jeunesse et un goût prononcé pour l’expérimentation. Les deux violons, Natalia Prischepenko et Gregor Sigl, échangent leurs rôles au gré des oeuvres et de leur inspiration, renouvelant leur travail et leur approche. L’expérimentation se mêle au goût du risque, comme celui d’associer une des oeuvres les plus poignantes du répertoire du XIXe siècle, La jeune Fille et la mort de Schubert au Deuxième Quatuor (2003) de Jörg Widmann, un élève de Henze et Rihm qui a vu ses dernières oeuvres créées par Boulez et Thielemann.

1945 : au sortir de la guerre, un monde s’achève, un autre naît. Les Dissonances et leur fondateur David Grimal, en résidence à l’Opéra de Dijon pour une première saison, nous invitent à un voyage à partir de cette année charnière et ont choisi un programme qui met particulièrement en valeur la géométrie variable de l’ensemble. Les Dissonances ont obtenu le prestigieux prix de la BBC pour l’interprétation de ce chef-d’oeuvre crépusculaire de Strauss, l’un de ses derniers, inspiré par la vision de l’Allemagne réduite en cendres qu’il n’avait jamais quittée. Avec le Concerto pour orchestre donné à l’Opéra de Dijon quelques semaines plus tôt, la Sonate pour violon seul de Bartók fait également figure d’ultime témoignage d’un monde détruit.

L’orchestre de l’Opéra de Dijon a décidé cette saison de rendre hommage à Haydn, dont on célébrera le bicentenaire de la mort, et à Mendelssohn, dont on célébrera celui de la naissance. Ce concert anniversaire sera l’occasion de découvrir les richesses fondatrices de Haydn pour le répertoire symphonique, mais aussi, à travers une symphonie de jeunesse, le talent de celui qui permit au monde de redécouvrir Haendel et Bach : Mendelssohn. Ces concerts, conçus dans le cadre de la semaine bleue (avec en première partie les élèves-musiciens du Conservatoire de Dijon), sont un prélude à celui de février 2009, où ces oeuvres seront mises en perspective avec une messe de Haydn et les motets a capella de Mendelssohn.

Pour la seconde année consécutive, le festival de musique contemporaine de Radio France se délocalise et a choisi Dijon pour un week-end de concerts gratuits. Ouverture le vendredi soir avec le second concert du National, cette fois sous la direction d’Alain Altinoglu, à retrouver en décembre dans Aïda. A ses côtés, la plus francophile des Anglaises, Dame Felicity Lott, pour la création mondiale du Bestiaire de Régis Campo, une commande de l’Opéra de Dijon sur des poèmes d’Apollinaire. Une longue amitié artistique lie le compositeur, qui retrouve l’énergie rythmique, le travail mélodique et l’humour propres aux compositeurs français de Janequin à Satie, et l’interprète qui a créé nombre de ses oeuvres. Le Bestiaire est composé spécialement pour elle et l’Orchestre national de France. Les deux journées suivantes vous proposent un itinéraire entre création contemporaine et ceux qui l’ont rendue possible. Ne vous privez pas et partez à la découverte des créateurs d’aujourd’hui.

entrée libre

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Fondé en 1999, le jeune Quatuor Ebène est une star montante de la musique de chambre. Ses deux premiers disques, consacrés à Haydn et Bartók, ont raflé les distinctions de la critique, et les grandes salles européennes – Amsterdam et Londres en tête – commencent à se les arracher. Le nom qu’ils se sont choisi reflète les notions qui leur sont chères : robustesse, noblesse, exotisme, couleur, autant d’adjectifs qui pourraient qualifier leur jeu. En somme, une essence rare, un bois dont sont faits les plus grands, au service de trois oeuvres clés du répertoire français.

Astor Piazzolla, ses amours, ses rêves, sa pensée. C’est à la vie et à la personnalité de cette grande figure du tango argentin que le Quinteto Porteño rend hommage à travers un voyage en récit et en musique. Avec pour guide privilégié la soprano italo-argentine Beatriz Fornabaio.

Après sa prestation à l’Auditorium dans Steve Reich Evening d’Anne Teresa De Keersmaeker, l’ensemble Ictus et son savoir-faire jubilatoire revient dans un programme (d)étonnant à la joie communicative. Partez à la découverte des Songs de Kurt Weill avec leur atmosphère de cabaret berlinois revisité par la musique américaine, et de l’univers déjanté de Tom Waits, chanteur, acteur et compositeur américain (y compris d’opéras !) issu du monde de la pop.
Les deux compositeurs se retrouvent face à face sur le même territoire, exilés de leur terre natale : territoire inédit fait de blues, de musique contemporaine, de rock alternatif et de muzak. Dans cette soirée, il n’y a pas d’histoire, il y a un moment : c’est une minute avant. Avant la catastrophe, avant que l’élégant dandy ne s’écroule sous l’effet de sa cirrhose, avant que la charmante enfant ne jette son bébé à la Seine, avant que l’impeccable capitaine ne déclenche le carnage, avant que le paquebot ne coule. Tout cela très soigné, très mélodique, très dansant. Très digne. C’est l’obsession contemporaine, n’est-ce-pas, dignity.

Le Times les présente comme « des musiciens pour lesquels il faut se déplacer, même de loin ! ». Il faut dire que Londres n’a pas attendu pour fêter ce jeune quatuor lauréat du Chamber Music Award de la Royal Philharmonic Society en 2003. Fondé en 1994 au Royal College of Music par quatre étudiants européens (une Roumaine, une Anglaise, un Polonais et un Français), ils se forment auprès des quatuors Amadeus et Alban Berg avant de partir à l’assaut des grandes salles avec un succès impressionnant. Ils proposent un programme qui ouvre un canal entre Danube et Tamise, entre la tradition du quatuor viennois et le dernier quatuor de Britten, justement créé par les Amadeus en 1976.

« Réjouissez-vous ! » chante le choeur de l’Oratorio de Noël. De quoi se réjouir en effet en ces temps de fête avec la venue à Dijon de deux ensembles éminents qui interprètent deux oeuvres emblématiques du répertoire baroque allemand. Le RIAS Kammerchor s’est imposé depuis sa création en 1948 comme l’un des meilleurs choeurs du monde, aussi bien en musique contemporaine qu’en musique ancienne. Après Böhm et Karajan, c’est aujourd’hui Harnoncourt, Herreweghe ou Jacobs qui font régulièrement appel à lui. Il collabore de longue date avec l’Akademie für Alte Musik, qui fut le premier ensemble baroque fondé en Allemagne de l’Est. Ils furent ensemble les protagonistes de l’enregistrement de l’Oratorio de Noël de René Jacobs, qui fait aujourd’hui référence.
Une occasion de retrouver ces oeuvres chorales de Bach, avant les Sonates et partitas pour violon seul, peut-être plus profondes encore.

David Grimal continue son exploration du continent musical européen en compagnie du pianiste Georges Pludermacher. En route pour la Mitteleuropa, berceau d’une formidable effervescence musicale, à la frontière entre musique savante et musiques populaires. L’Europe centrale vit de part et d’autre de la Première Guerre mondiale une période cruciale de son histoire : l’effondrement des empires austro-hongrois et russe permet l’affirmation des identités culturelles, et les musiciens feront de la découverte des particularités musicales de leurs pays le creuset de la musique du XXe siècle. Georges Pludermacher et David Grimal partagent une même approche ouverte et non conformiste de la musique, tout comme l’esprit qui régnait alors.

Singulier destin que celui de Schumann : hésitant entre carrière littéraire et musicale, il se décide pour le piano avant d’aborder la composition… Sa musique semble toujours prête à basculer, en équilibre précaire au bord d’abîmes mystérieux. Ainsi de sa Quatrième Symphonie, qui tend continuellement à s’évader des schémas classiques et, par la circulation continue des thèmes d’un mouvement à l’autre, laisse libre cours à sa fantaisie débridée. Ainsi de son Konzertstück, où la partie soliste des quatre cors fait preuve d’une grande originalité d’écriture. Ainsi de Manfred, qui raconte les amours incestueuses d’un romantique à la Byron.
L’occasion de retrouver Jean-François Verdier, jeune chef talentueux qui dirigera également Werther de Massenet à l’Opéra national de Paris en mars.

L’événement est de retrouver à l’Opéra de Dijon ce pianiste d’exception au génie sombre et profond qui parcourt les plus grandes salles d’Europe. L’impression est tout autant visuelle que musicale. Sokolov s’avance droit sur le piano, immense et imperturbable, et ses mains entrent soudainement dans une cavalcade éblouissante de vélocité et de puissance. Avec ce digne héritier de Gilels ou de Richter, l’oeil et l’oreille sont au diapason dans une expérience mémorable.

Entre la musique symphonique de Mendelssohn et sa musique de chambre, quel contraste ! Si la première a souvent pâti d’une réputation de musique un peu facile et sentimentale, la seconde nous fait découvrir un personnage profondément romantique, à l’égal de son ami Schumann. En particulier dans ses quatuors, qui forment le chaînon manquant entre ceux de Beethoven et de Bartók. Le dernier, écrit juste après le drame insurmontable de la mort de sa soeur, est un cri du coeur d’une violence presque expressionniste qui balaye tout sur son passage. Les Talich seconde génération se sont fait un devoir de défendre ces partitions qu’il faut impérativement connaître. Ce programme, qui couvre toute la vie de Mendelssohn de la jeunesse à la maturité, en est la parfaite opportunité en cette année 2009, bicentenaire de la naissance du compositeur.

L’Everest du violoniste. Véritable cathédrale sonore, oeuvres fonda - trices du répertoire de violon exigeant une virtuosité sans faille, une profondeur, un son généreux et une construction solide, les six Sonates et Partitas de Bach sont incontestablement un défi pour tout violoniste. Les jouer toutes en deux soirées consécutives représente un événement auquel il faut assister une fois dans une vie. David Grimal, violoniste exceptionnel que nombre de critiques et de professionnels voient tantôt comme le digne héritier du grand Nathan Milstein pour la noblesse de son jeu ou celui de Christian Ferras, est un des seuls à pouvoir relever ce défi en concert. Pour corser encore l’ascension, il a choisi de donner la création mondiale d’une oeuvre de Brice Pauset, commande de l’Opéra de Dijon, écrite en miroir des Partitas. Du XVIIIe siècle à nos jours, l’alpha et l’oméga de la musique.

Hors L’Apprenti sorcier, l’oeuvre de Dukas est mal connue. Ami de Debussy, professeur de Messiaen et Duruflé, il est un jalon essentiel dans la musique française du XXe siècle. Sa Sonate est une oeuvre pianistique ambitieuse, sorte d’équivalent de la Hammerklavier de Beethoven, qui fut une de ses sources majeures d’inspiration. Mais elle doit tout autant au style français dans lequel baignait Dukas. D’où l’évidence de ce programme qui fait de cette sonate un pont jeté entre deux mondes en apparence inconciliables et réunit Fauré, admirateur de Dukas, et la première grande sonate de maturité de Beethoven. Olivier Chauzu vient d’enregistrer brillamment l’intégrale de la musique de piano de Dukas à l’Auditorium : l’occasion de découvrir ce jeune pianiste talentueux.

Haydn fut l’un des classiques qui anticipa le plus le mouvement romantique, Mendelssohn fut l’un des romantiques les plus proches du style classique. Rien de plus logique, après avoir confronté leur approche de la symphonie en octobre, que de mettre en parallèle leurs oeuvres religieuses. Lorsqu'il compose la Theresienmesse, Haydn vient de frapper un grand coup avec son oratorio La Création (à découvrir à l’Auditorium en mars) ; à 67 ans, ses forces créatrices sont au plus haut. Ses dernières messes concentrent et résument tout ce qui fait son style, avec la maîtrise et l'inspiration propres à la haute maturité. Elles marquent également un point crucial dans l'évolution de la musique religieuse en opérant la synthèse entre les styles ancien et classique. La nouvelle génération de compositeurs y trouvera à la fois un modèle et un stimulant. Si l’influence majeure de Mendelssohn reste Bach, son oeuvre religieuse est impensable sans les messes de Haydn. En témoignent ces Motets qui tentent eux aussi la synthèse entre l’inspiration médiévale, les apports du style classique et le génie romantique.

Les Dissonances et le voyage européen acte II, avec cette fois une escale outre-Manche, terre musicale. Les compositeurs anglais sont souvent ignorés en France, alors même que la musique française y jouit d’une grande popularité. Une indifférence à réviser à travers un chemin par la variation. Forme musicale qui modifie progressivement un thème jusqu’à le rendre parfois méconnais - sable, elle fut souvent une sorte d’hommage pour les compositeurs qui choisissaient un thème de leurs devanciers. La musique est ainsi, elle se nourrit d’elle-même pour toujours se renouveler et construire son histoire. Britten arrange Purcell et le rend à la lumière puis salue son maître Frank Bridge, tandis que Tippett s’approprie la musique de Corelli.

Il est né à Vladikavkaz (Ossétie), comme Gergiev, a été l’élève de Temirkanov, comme Gergiev, et dégage sur scène un charisme irrésistible… comme Gergiev. C’est à vingt-huit ans que Tugan Sokhiev a pris la tête de l’Orchestre du Capitole, un des meilleurs orchestres français. Rien d’étonnant. Une telle science de l’orchestre, un tel sens du son ne se retrouvent que chez les plus grands. Le programme est russe par excellence, avec deux partitions clés de l’histoire de l’orchestre, mais dont la lecture claire, précise et haute en couleurs orchestrales promet de sortir des sentiers battus. Sokhiev est un des rares chefs qui sache avec un tel art unir dans ses interprétations analyse et spontanéité, rigueur et dynamisme, clarté et densité. Une promenade pour (re)découvrir ces chefs-d’oeuvre du répertoire russe, et réaliser avec émotion une promenade des Tuileries vers la Grande Porte de Kiev.

C’est dans une production de Rodelinda de Haendel à Glyndebourne qu’Emmanuelle Haïm obtint son premier succès international. Le Concert d’Astrée fit de celui-ci son compositeur de prédilection, sa spécialité reconnue. Fidélité du Concert d’Astrée à Haendel et, après Purcell, fidélité de l’Opéra de Dijon au Concert d’Astrée. La Résurrection est un oratorio de la période italienne de Haendel, plus proche de ses opéras que de l’oratorio anglais qu’il créera dix ans plus tard. Cependant, les riches influences de ce compositeur cosmopolite, âgé alors de vingt-trois ans, qui assimilera toute la musique européenne de son temps pour se créer un style unique, se font déjà sentir. Un chef-d'oeuvre de Haendel servi par des chanteurs de très haut niveau. Outre Kate Royal, habituée du Festival de Glyndebourne, on retrouve Luca Pisaroni, régulièrement appelé par Harnoncourt, mais aussi Camilla Tilling, habituée du Festival d’Aix-en-Provence, ainsi que Sonia Prina et Topi Lehtipuu, des plus grandes scènes d’Europe. Emmanuelle Haïm excelle dans ce répertoire virtuose dont le Concert d’Astrée est reconnu comme l’un des plus brillants interprètes.

La prise de conscience d’une nécessaire fraternisation entre les peuples européens, et la politique de jumelage qui suivit, prit sa source dans les horreurs de la Seconde Guerre mondiale. Quoi de plus juste alors que les forces musicales de Rhénanie-Palatinat et de Dijon s’associent pour donner à entendre le plus violent réquisitoire contre la guerre, ses atrocités et son absurdité, qui ait jamais été écrit ? L’idée géniale de Britten fut de mêler le texte liturgique du requiem aux poèmes lucides et pathétiques de Wilfred Owen, mort à vingt-cinq ans à quelques jours de l’armistice de 1918. Il superpose trois plans : celui des deux soldats et de l’orchestre de chambre, celui de la messe avec choeur et grand orchestre, et celui de l’innocence avec les choeurs d’enfant et l’orgue. En résulte une oeuvre poignante et inoubliable, trop rarement donnée.

Originaire du Kerala en Inde, le Kathakali est ce qui se rapproche le plus d’un opéra indien. Comme souvent dans ce pays mystique par excellence, il s’agit d’un rituel tout autant que d’un art. La préparation des artistes est extrêmement codifiée (les peintures corporelles qui les recouvrent doivent impérativement être réalisées sur le lieu de la représentation en plusieurs heures de travail) et éprouvante : elle est basée sur les méthodes de concentration d’énergie du kalaripayat, l’art martial antique du Kerala. C’est par les expressions du visage, les regards et les positions des mains que les acteurs déroulent les grandes épopées indiennes comme le Râmâyana, qui raconte l’histoire du Dieu Râma et d’une des divinités les plus aimées en Inde, le dieu-singe Hanuman. Une porte extraordinaire pour entrer dans l’univers magique et fascinant de la culture indienne.

L’Opéra de Dijon souhaite faire découvrir l’opéra et le spectacle vivant au plus grand nombre. Fort du succès populaire (plus de 6 000 personnes) rencontré lors de la manifestation « Tous à l’Opéra ! », organisée pour la première fois à Dijon le 16 février 2008, l’Opéra de Dijon propose de développer ces rencontres privilégiées avec le public autour de trois « Journées familles » organisées pendant la saison.
Ces journées familles jouent un rôle capital dans la politique d’ouverture de l’Opéra de Dijon. Elles permettent au public de découvrir puis de s’initier aux métiers de décorateur, régisseur lumière, technicien plateau, maquilleur ou costumier, danseur, chorégraphe, de découvrir le travail du chef d’orchestre, des musiciens et des choristes, du metteur en scène et de l’équipe de production autour de répétitions ou encore de visiter les lieux du spectacle de façon inédite au travers de promenades dans l’envers du décor.

Pour célébrer le bicentenaire de la mort de Haydn, la Camerata de Bourgogne a choisi de confier à Régis Pasquier l’interprétation d’un concerto pour violon de Haydn. Le Concerto en ut majeur est certainement le plus connu de Haydn et son style est tout imprégné à la fois de baroque autrichien et d’esprit italien. Son mouvement lent, l’adagio en fa mineur, est l’un des plus beaux du compositeur. Régis Pasquier dirigera également la Symphonie funèbre du compositeur que Mozart vénérait comme son propre père. On dit que Haydn aurait souhaité entendre cette oeuvre pour ses funérailles…
Ce programme sera aussi l’occasion de retrouver Bruno et Régis Pasquier dans la célèbre Symphonie concertante pour violon et alto de Mozart, où la complicité de ces deux musiciens révélera l’écriture toute en tensions et dialogues entre les deux instruments.

Troisième et ultime étape scandinave des Dissonances pour la première année de leur résidence. Lettonie, Norvège et Finlande sont au programme, ainsi que trois configurations différentes : orchestre à cordes et soliste, orchestre à cordes seul et quatuor. Le style lumineux et poétique de Saariaho, issu de la musique spectrale qui travaille sur la matière même du son, s’est imposé comme l’un des plus personnels et passionnants de ces dernières années. Son quatuor Terra Memoria vient d’être créé en juin 2007 à New York. Autour d’elle, un des premiers compositeurs nordiques à s’être fait connaître plus au sud dans une oeuvre qui reprend les suites de danses baroques, et le plus important compositeur letton d’aujourd’hui dans une oeuvre dédiée au grand violoniste Gidon Kremer. Un terminus à la lumière des sonorités étranges des pays du jour et de la nuit infinis.

Connaissez-vous la rue Louis Dietsch à Dijon ? Avez-vous déjà levé la tête en face du n° 38 de la rue Jean-Jacques Rousseau ? Vous y découvrirez le buste d’un compositeur oublié du patrimoine dijonnais. Né en 1808 à Dijon, Louis Dietsch fera l’essentiel de sa carrière à Paris, comme chef d’orchestre estimé de Wagner (il dirige la scandaleuse création de Tannhäuser à Paris), comme professeur (Fauré fut son élève) et comme compositeur, admiré en particulier pour sa musique religieuse. C’est pourtant en l’Eglise Saint-Michel que fut créée en 1868 sa XXIIIe Messe. C’est cet événement que l’Opéra de Dijon vous invite à revivre sur les lieux mêmes de l’action, pour découvrir cet enfant du pays que Berlioz décrivait comme : «un artiste distingué et savant dans le sens le plus honorable du mot ».

Grand concert choral pour cette fête de la musique 2009, avec l’oeuvre brucknérienne par excellence. Bruckner y voyait lui-même le couronnement de sa carrière. Contemporain de la célébrissime 7e Symphonie et dédié «à la plus grande gloire de Dieu », ce Te Deum est à la musique ce que la cathédrale est à l’architecture. Ses cinq nefs s’élancent vers le ciel, portées par le formidable élan de foi chrétienne du compositeur, véritable mystique médiéval égaré en plein XIXe siècle. C’est dans sa musique d’église qu’il sut le mieux concilier l’esprit religieux d’un lointain passé et le souffle romantique de son époque. Le Te Deum est sa plus belle réussite et une des oeuvres clés du répertoire religieux.

Les bals furent longtemps une tradition dans les opéras du monde entier… Celui auquel nous vous invitons cette année est pourtant loin d’être traditionnel ! En 1984, le compositeur Pablo Cueco propose au très sérieux festival Musica l’idée d’un vrai bal contemporain. Le coup de génie, c’est d’avoir commandé des musiques à danser et à s’amuser à des compositeurs « savants » parmi les plus grands de la musique contemporaine. Piqués au jeu, ils se lancèrent dans l’entreprise. En résulte une série de pièces qui revisitent, mélangent, travestissent et font valser les rythmes sur lesquels nous avons tous un jour pratiqué déhanchements et tortillements en tous genres. L’Opéra de Dijon et le Théâtre Dijon Bourgogne s'associent pour deux soirées exceptionnelles : le Bal de la Contemporaine fera danser la salle Jacques Fornier le samedi 4 avril puis l'Auditorium le mercredi 24 juin. Aucune tenue de soirée exigée, mais seulement de bonnes cuisses...
Vous avez un an pour trouver cavalier.

Happening à l’Auditorium ! Pour restaurer l’énergie dépensée lors du bal du mercredi précédent, installez-vous dans les transats et profitez du personnel de bord pour goûter une nouvelle extravagance de l’ensemble Ictus. Autour des compositeurs minimalistes américains, ils vous invitent à la nuit estivale du minimum d’effort pour le maximum de plaisir musical. Laissez décoller vos oreilles aux sons de cette musique hypnotique et roborative. Une expérience dont vous ne ressortirez pas sans une nouvelle image de la musique contemporaine, de ceux qui la défendent… et d’un lieu que vous croyez connaître.

La création chorégraphique belge est à l’honneur cette année à l’Opéra de Dijon. Première étape avec Anne Teresa De Keersmaeker et l’une de ses dernières créations : Steve Reich Evening. On sait l’importance des partitions de Reich dans le travail de la chorégraphe pour renouer le lien entre danse et musique dans la danse contemporaine. On connaît aussi le rôle qu’y jouent la reprise et l’amplification : partir d’une oeuvre antérieure pour, dans un mouvement de spirale, atteindre à une nouvelle création. Steve Reich Evening en est l’exemple parfait. De Keersmaeker y tresse les processus hypnotiques et fascinants de ses premières chorégraphies avec les fugues dansées vertigineuses d’aujourd’hui, en faisant se réfléchir deux anciennes créations et deux nouvelles. Avec l’ensemble Ictus sur scène, la musique nourrit la danse et la danse répond à la musique.

Versant dansé de notre voyage en terres européennes avec le Ballet de Mayence, dans le cadre du cinquantième anniversaire du jumelage entre Dijon et Mayence. Au programme, une chorégraphie de son directeur Martin Schläpfer sur la Symphonie n° 5 «Reformation » de Mendelssohn. Formé à la Royal Ballet School de Londres, Martin Schläpfer est un chorégraphe qui explore, retravaille et transforme les canons de la danse classique.

Le monde est un enfant, il a encore besoin qu’on l’amuse avec des contes. La jeune Clara reçoit pour Noël un singulier cadeau : un casse-noisette. Mais la nuit de Noël n’est pas une nuit comme les autres, le casse-noisette se transforme en prince et entraîne Clara au royaume de la Fée Dragée, où les bonbons dansent le trepak et les flocons une valse… Ce ballet auquel Tchaïkovski ne croyait pas est devenu son oeuvre la plus célèbre. La Danse du Café, celle des Mirlitons ou la Valse des Fleurs sont désormais ancrées dans la mémoire collective. Dans cette chorégraphie de 2005, Benjamin Millepied, danseur principal du New York City Ballet depuis 2002, nous emporte dans un immense jeu de construction aux couleurs acidulées et nous raconte l’inépuisable histoire du voyage de l’enfance vers l’âge adulte.
Une belle occasion pour petits et grands de passer un réveillon féerique à l’Opéra de Dijon !

Après Casse-Noisette et le Ballet de Genève en décembre, autre conte, autre vision. Son Roméo et Juliette a durablement marqué les esprits, avec son univers concentrationnaire et violent. Mais le travail du chorégraphe Angelin Preljocaj ne saurait se résumer à cette pièce, tant il a su au fil du temps se renouveler et pousser toujours plus loin sa réflexion sur son art. Capable de passer d’un style dépouillé proche de la danse classique à la modernité brute et technologique alliant danseurs et images de synthèse, chacune de ses nouvelles productions est source d’attente et d’étonnement. Sa Blanche Neige se veut féerie mystérieuse, au croisement du conte de Grimm, de la Psychanalyse des Contes de Fées de Bruno Bettelheim et de la musique de Mahler.

Le solo légendaire d’une chorégraphe légendaire. Créée en 1983 à Venise, présentée dans plus de quarante pays, Blue Lady est une des pièces fondatrices de l’art de Carolyn Carlson et de la danse contemporaine, peut-être la plus proche de la perfection et sans doute la plus représentative du travail de la chorégraphe. Simplicité de la scénographie – un arbre qui s’élance et un store vénitien – pour une émotion maximale : la longue silhouette fine de la danseuse ploie, tourne, semble à peine effleurer le sol ou au contraire s’y enfoncer pour évoquer sans la décrire l’enfance californienne de Carlson, gaie, tendre et nostalgique. Aujourd’hui, elle transmet ce solo à un homme, Jacky Berger, danseur de sa compagnie. Une page de l’histoire de la danse, toujours aussi puissante vingt-cinq ans après.

Cette création récente (décembre 2007) de Carolyn Carlson est l’occasion d’une nouvelle collaboration entre la chorégraphe et la compositrice Kaija Saariaho (que l’on pourra retrouver lors d’un concert des Dissonances en mai 2009). Cette création s’inspire de la spiritualité de la compositrice finlandaise. La virtuosité exceptionnelle des danseurs sert cette musique aérienne. Les danseurs incarnent de véritables esprits et nous convient à la redécouverte des sens occultés.
Une autre facette très poétique de l’oeuvre de cette grande chorégraphe.

La danse contemporaine belge s’incarne certainement dans la nouvelle création d’Alain Platel et de la compagnie Les Ballets C. de la B. (Ballets Contemporains de la Belgique). Plus qu’une compagnie, les Ballets C. de la B. se définissent comme une plateforme artistique ou encore comme un théâtre de mouvement. En faisant fi des frontières entre les genres, en mêlant danse, théâtre, musique et cirque, en accordant au travail de l’interprète une importance primordiale, elle bouscule depuis plus de vingt ans nos habitudes. Platel fut le fondateur de cet organisme en autogestion où officièrent simultanément Sidi Larbi Cherkaoui, Christine De Smett ou Koen Augustijnen.
Le nouveau spectacle d’Alain Platel et du compositeur Fabrizio Cassol, coauteurs du superbe vsprs (2006), a comme point de départ La Passion selon saint Matthieu. Ce chef-d’oeuvre de Bach est une sublime transposition musicale de la Passion du Christ.
Erbarme dich, l’une des arias les plus célèbres de la Passion tant du point de vue de la musique que du contenu, constitue l’un des points de départ de pitié ! Le thème principal de La Passion selon saint Matthieu est l’ultime sacrifice que nous puissions consentir : celui de soi. C’est cette question qu’Alain Platel veut poser aux danseurs.

Christian Rizzo a tour à tour monté un groupe de rock, lancé une marque de vêtement et suivi des cours d’arts plastiques, avant d’être tout naturellement chorégraphe… Un chorégraphe pas tout à fait comme les autres, puisque toutes ces expériences nourrissent aujourd’hui son art dans lequel il modèle tout autant les corps que les objets et les sons. mon amour est une pièce pour sept danseurs, un chanteur et trois musiciens, tous présents sur scène. Cette surprenante partition, où les évolutions de sept sphères se mêlent à celles des danseurs dans une onirique fumée blanche, se veut un plaidoyer sur le style et les sentiments, et s’interroge sur la signification du lyrisme et du romantisme dans la danse. Avec ses danseurs en jeans usés et capuches, elle semble invoquer une innocence perdue qui n’est pas sans rappeler Gus Van Sant et son regard à la fois tendre et fasciné sur les teenagers d’aujourd’hui.

Autre aspect complémentaire de l’oeuvre de Rizzo avec b.c., janvier 1545, fontainebleau., une création de 2007. Imaginé pour Julie Guibert (ancienne danseuse du Ballet Cullberg), ce solo oscille entre performance et installation plastique. Il est considéré comme une des oeuvres les plus parfaites et émouvantes de Rizzo, une chorégraphie haute couture.
Au milieu de peluches noires et de bougies, la danseuse découpe l’espace sous l’oeil d’un serviteur à tête de lapin échappé de Lewis Caroll qui tire mystérieusement les ficelles et ouvre devant elle les espaces nécessaires à ses mouvements. La danse devient avec Christian Rizzo une calligraphie à vous couper le souffle.

Le Grand Théâtre accueille pendant dix jours une installation phare de cet iconoclaste qui ouvre les frontières. From Inside est une machine à voyager dans la danse : vous entrez dans la boîte noire, vous choisissez une destination et vous vivez la danse de l’intérieur…

L’Opéra de Dijon termine son parcours autour de la danse belge avec deux des plus grands représentants de l’école wallone. Point d’arrivée tout naturel puisque Michèle-Anne De Mey fut d’abord une proche collaboratrice d’Anne Teresa De Keersmaeker. C’est avec Sinfonia Eroïca qu’elle fonde en 1990 sa propre compagnie. Comme chez De Keersmaeker, le lien entre danse et musique, en particulier la musique classique, est au centre de ses préoccupations. Le contenu dramaturgique très fort qu’elle nourrit et qui place le danseur dans un nouveau rapport avec le public, est cependant sa marque de fabrique qui aura contribué à donner une nouvelle orientation à la danse contemporaine. La Sinfonia Eroïca qu’elle nous propose aujourd’hui est bien plus qu’une reprise. La musicalité enivrante et la nostalgie subtile de cette pièce ont durablement marqué les mémoires. Elle choisit aujourd’hui d’en reprendre le chemin avec sept nouveaux danseurs pour retrouver toute la fraîcheur de sa création.

production Charleroi/Danses, centre chorégraphique de la Communauté française de Belgique

A Charleroi, une De Mey peut en cacher un autre… Place au grand frère de cette famille qui s’est donnée à la musique et à la danse. Compositeur, il eut partie liée un temps avec l’ensemble Ictus, et a animé le groupe Maximalist!, fameux laboratoire pour compositeurs belges et insolents. Cinéaste, il a su nouer un rapport totalement inhabituel entre cinéma et danse. Ma Mère l’Oye n'est rien moins que de la danse filmée. Il s’agit d’une expérience unique dans laquelle danse, musique et cinéma échangent et mêlent leurs vocabulaires pour créer un objet inclassable, hanté par la mythologie et les rêves d’enfants tombés dans l’oubli.

L’Opéra de Dijon souhaite faire découvrir l’opéra et le spectacle vivant au plus grand nombre. Fort du succès populaire (plus de 6 000 personnes) rencontré lors de la manifestation « Tous à l’Opéra ! », organisée pour la première fois à Dijon le 16 février 2008, l’Opéra de Dijon propose de développer ces rencontres privilégiées avec le public autour de trois « Journées familles » organisées pendant la saison.
Ces journées familles jouent un rôle capital dans la politique d’ouverture de l’Opéra de Dijon. Elles permettent au public de découvrir puis de s’initier aux métiers de décorateur, régisseur lumière, technicien plateau, maquilleur ou costumier, danseur, chorégraphe, de découvrir le travail du chef d’orchestre, des musiciens et des choristes, du metteur en scène et de l’équipe de production autour de répétitions ou encore de visiter les lieux du spectacle de façon inédite au travers de promenades dans l’envers du décor.

Tg Stan est une troupe belge résolument tournée vers l’acteur qui s’est constitué un répertoire hybride et contestataire dans un refus de tout dogmatisme. Destruction de l’illusion théâtrale, jeu dépouillé et engagement rigoureux vis-à-vis du personnage sont leurs mots d’ordre. Sauve qui peut s’articule autour de cinq des sept mini-drames, les Dramuscules, écrits par Thomas Bernhard. L’écrivain y sonde son époque et son pays pour y traquer le fascisme ordinaire au travers de courtes scènes qui pointent des médiocrités quotidiennes. Tg Stan déplace la violence et les vitupérations du texte de Bernhard vers un terrain où l’humour devient l’arme principale contre la banalité du mal.

Votre nez s’allonge quand vous mentez, vous rêvez sans cesse d’aventures ou de rencontrer une drôle de petite fée aux cheveux bleus ? Inutile de consulter, vous êtes tout simplement Pinocchio ! Sandrine Anglade revient à l’esprit original de l’oeuvre de Collodi et retrouve le pantin téméraire et débrouillard que le film de Walt Disney avait transformé en gentil benêt. Elle réinvente l’histoire de Pinocchio, tissant autour de ses aventures un voyage ludique, musical et féerique, dont les enfants de la maîtrise de Paris (chanteurs, acteurs et instrumentistes) sont les héros, accompagnés de deux comédiens-musiciens adultes. De jeunes amateurs dijonnais rejoindront aussi ce beau voyage initiatique, parabole sur la paternité et la maternité. Tentant de résoudre la difficile question de « comment devenir homme? », Sandrine Anglade y répond à sa façon : « en redevenant enfant… »

Un prince qui a de trop grandes mains tombe amoureux d’une belle toute de bleu vêtue. Riche et fort sympathique, il part à sa conquête, prêt à tout pour la séduire. Et comme les histoires d’amour finissent toujours mal… Accompagné de son acolyte, Jan Kuijken, d’artistes provenant de genres musicaux différents (jazz, rock, free, classique, opéra et pop) et de deux acteurs-chanteurs, Josse De Pauw fait se côtoyer une symphonie électrique aux accents rock et le monde poétique qui est le sien. Texte et musique se lient pour devenir les composantes d’un même projet par improvisation, dialogue et croisement avec la parole.

Les trublions du théâtre suisse font leur entrée à l’Opéra de Dijon. Zimmermann et De Perrot, c’est d’abord un univers étrange et poétique où la scénographie minutieusement élaborée devient le chantier d’inventions sans parole à la Buster Keaton. C’est sur ce terrain de jeu où se mêlent avec ingéniosité musiques et corps que la condition humaine est savamment décortiquée dans ses grands ou ses petits travers. Accessoirement, ce sont aussi les conventions théâtrales qui sont renversées avec esprit et humour. Öper Öpis se déroule sur une scène instable qui peut à chaque mouvement basculer (mais vers quoi ?) et nous raconte les déboires de ce quotidien qui peut à tout moment nous déborder et nous faire perdre pied… Ce spectacle haut en couleurs fait appel à cinq danseurs et artistes de cirque de très haut niveau.

L’Opéra de Dijon souhaite faire découvrir l’opéra et le spectacle vivant au plus grand nombre. Fort du succès populaire (plus de 6 000 personnes) rencontré lors de la manifestation « Tous à l’Opéra ! », organisée pour la première fois à Dijon le 16 février 2008, l’Opéra de Dijon propose de développer ces rencontres privilégiées avec le public autour de trois « Journées familles » organisées pendant la saison.
Ces journées familles jouent un rôle capital dans la politique d’ouverture de l’Opéra de Dijon. Elles permettent au public de découvrir puis de s’initier aux métiers de décorateur, régisseur lumière, technicien plateau, maquilleur ou costumier, danseur, chorégraphe, de découvrir le travail du chef d’orchestre, des musiciens et des choristes, du metteur en scène et de l’équipe de production autour de répétitions ou encore de visiter les lieux du spectacle de façon inédite au travers de promenades dans l’envers du décor.

Le Théâtre Dijon Bourgogne – Centre Dramatique National (TDB), accueillera du 2 au 11 juin un événement exceptionnel : la venue à Dijon du Théâtre du Radeau, mené par François Tanguy.
Le propos n’est pas ici de raconter une histoire, bien au contraire. Le spectateur est libre et invité à se laisser aller, à ne rien chercher, à donner vie et corps à ses émotions. Expérience scénique unique, mêlant lumières, musiques, dans un espace étonnant, une tente, installée spécialement pour l’occasion.
L’Opéra de Dijon a souhaité s’associer au TDB pour accueillir cette production majeure et proposer à ses abonnés d’assister avec un tarif préférentiel à l’une des représentations. Pour y aller, rien de plus simple : prendre contact avec le TDB au 03 80 30 12 12.